Del Tango A La Sinfonía En Noche De Estreno Mundial

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El segundo concierto de la sinfónica de la Universidad Autónoma de Nuevo León tuvo como característica el eclecticismo pues fue del tango a la sinfonía interpretando obras del siglo XIX como de la actualidad, además de contar esa noche con un estreno mundial.

En esta ocasión la orquesta estuvo bajo la batuta de la directora huésped Gabriela Díaz Alatriste, quien es la Subdirectora Artística de la Orquesta Sinfónica del Estado de México.

Iniciar con el Tango de la compositora Gina Enríquez fue una suculenta entrada ya que la pieza tiene una belleza melódica que, a pesar de su complejidad, posee su virtud en lo natural que suena al oído del espectador. La orquesta sonó pulcra en cada una de sus secciones y mantuvo el paso rítmico adecuado, no podría decir que una sección sobresalió de las demás porque la orquesta resaltó en su conjunto haciendo lucir lo bello de las melodías y la autenticidad de sus arreglos, sobre todo en los instrumentos de viento.

El plato fuerte llegó con el estreno mundial del Concierto en tango del compositor uruguayo Miguel del Águila. Esta obra ya había sido presentada anteriormente pero en una versión para violoncello y orquesta y viola con orquesta, mas sin embargo esta noche sería tocada por un cuarteto de cuerdas solista, siendo la primera vez para esta formación. Los encargados de ejecutar este estreno fueron el Cuarteto Latinoamericano, una de las agrupaciones fundada en México con mayor reconocimiento mundial y ganadora en dos ocasiones del Grammy Latino.

El mayor reto, no solo para el cuarteto sino para toda la orquesta, es la riqueza rítmica de esta obra donde constantemente van cambiando de ritmo, incluso hay quien le ha encontrado ciertos rasgos de jazz por su temperamento cambiante, aparte de la referencia obligada del tango y su paso por la milonga. Si bien el lenguaje esta plagado de modernidad, el cuarteto lo ejecutó de tal forma que fluía sin contratiempos mostrando el gran entendimiento que hay entre ellos. La orquesta sorteó de gran manera los retos rítmicos que exige la pieza e hizo gala de dominio, esto también gracias a la cadencia y atención adecuada con que fue dirigida por la Directora Gabriela Díaz.

El Cuarteto Latinoamericano regresó al escenario para interpretar una versión del conocido tango Por una cabeza y con esto agradecer al público que los aplaudió de pie.

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Para terminar el concierto se eligió la Sinfonía No. 4 en re menor de Robert Schumann. Esta obra fue compuesta en 1841 y la idea es que se presentara como si fuera un solo movimiento, pero en 1851 el mismo autor hace una revisión marcando bien sus cuatro partes, aunque estas están ejecutadas de manera tan continua que si no se pone la atención debida pareciera ser un solo y extenso movimiento.

La Directora Días logró conducir a la orquesta por los distintos paisajes que conforman la sinfonía con mucha pulcritud y orden logrando un cierre espectacular que fue reflejado en la ovación por parte de los asistentes.

A pesar de ser un programa muy ecléctico entre las obras, Díaz condujo a la orquesta sin contratiempos por las veredas musicales que planteaba el concierto gracias a su gran trabajo en la dirección. Una noche ecléctica que transcurrió entre el tango y la sinfonía.

ENTRE LA EMBRIAGUEZ Y LA ALEGRÍA

Inicia temporada 2017 de la OSUANL

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La Sinfónica de la UANL inició de gran forma su temporada 2017 luciendo muy buena salud musical bajo la dirección del maestro Jesús Medina.

El inicio fue la obertura de la ópera La italiana en Argel de Rossini, una de las obras más populares del italiano. La orquesta sonó completamente embalada y con una coordinación muy sobresaliente. Esta pieza tiene matices contrastantes y éstos fueron muy bien logrados por las distintas secciones. Todos los músicos caminaron a paso firme y seguro en el inicio, aunque hay que resaltar el trabajo de los clarinetes y los fagotes. Iniciar con esta obertura de carácter agradable y ligero fue un gran acierto para iniciar el concierto.

Luego vino el concierto para flauta y arpa k. 299 de Mozart, que contó con la participación de los solistas Miguel Ángel Villanueva (flauta) y Janet Paulus (arpa). Esta obra fue compuesta por pedido del duque de Guines y fue la única pieza que Mozart compuso para arpa. En el primer y segundo movimiento (Allegro y Andantino) hay partes específicas de dialogo entre ambos instrumentos, estas partes fueron llevadas de manera sobresaliente con muy buena fluidez entre Villanueva y Paulus, su dialogo musical tuvo el tono y la cadencia correcta para la pieza. Muy buen trabajo el de Miguel Ángel en la flauta con dominio y soltura. Janet Paulus salió adelante aún y cuando por momentos quedaba un poco opacada por la orquesta, sin embargo brilló su ejecución llena de dinamismo.

El cierre vino con la séptima sinfonía de Beethoven. Esta obra de 1812 tardó cinco años en ser terminada y en sus estreno tomó relevancia social debido al contexto: se celebraba en Europa la caída de Napoleón.

Aquí el director Medina dirigió con maestría, pero además con el espíritu necesario, una orquesta que caminó con alegría por las melodías y los acordes futuristas de la pieza. El segundo movimiento, uno de los más bellos pasajes de la obra de Beethoven, fue ejecutado con firmeza en cada paso del vaivén que la pieza requiere en ese efecto embriagador con el que se le conoce. Toda la sección de cuerdas lució en su conjunto, simplemente encantador.

Si acaso, durante el primer movimiento los cornos quedaban por encima del volumen del resto de la orquesta, hay que tener en cuenta que para esta sinfonía Beethoven hace subir los cornos a un registro agudo poco usual en sus partituras, sin embargo terminaron dando el matiz y la dinámica al conjuntarse con el resto de la orquesta, un trabajo nada simple pues aquí brillan los cornos por su fuerza, pero esta debe ser controlada por el músico.

Noche festiva entre la embriaguez y la danza de una sinfonía, el dinamismo juguetón de un concierto para flauta y arpa y la alegría de una obertura que funciona como metáfora del inicio de esta temporada de la OSUANL.

Los Festivales No Son Pan Con Lo Mismo

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Apareció el cartel del Machaca 2017 y con ello los comentarios de “son los mismos de siempre”. En mi opinión creo que quienes lo ven así es porque solamente ven a los grupos principales, a los más conocidos y ponen su atención en los escenarios grandes.

Una banda se hace headliner por el público, están ahí porque la gente les responde mucho más que a otros, así de simple. Y la realidad es que en Latinoamérica las bandas que puedan encabezar un festival son pocas y casi podría asegurar que ninguna pertenece a los 10 años recientes, la mayoría son bandas con más de veinte años de carrera. No ponemos en duda la propuesta, pero para ser headliner en un festival debes tener al público contigo, es una cuestión más de popularidad que musical. Entonces a estas alturas deberíamos darnos cuenta que sí, las bandas principales se repetirán en los festivales porque son las que hay y son las que el público ha puesto ahí.

Ahora, la cuestión es que un festival no solo son los escenarios principales ni los grupos estelares. Hay una buena cantidad de grupos que forman parte del elenco y que lastimosamente muchos de ellos no reciben la atención que deberían porque el público prefiere quedarse en un escenario grande y no moverse, entonces se pierden de descubrir otras propuestas menos populares pero igual de importantes.

Sí, los estelares se van a repetir y eso así seguirá un buen tiempo porque no estamos en tiempos en que las bandas se vuelvan masivas, sucede que la masividad ha dejado de existir como tal. La diversidad, lo interesante lo podemos encontrar en los escenarios alternos de un festival. Dicho esto entonces, no, el Machaca de este año no es pan con lo mismo, solo hay que voltear a otros lados.

 

Estas son solo algunas recomendaciones de bandas que estarán en este festival:

Esteman (Colombia)

iLe (Puerto Rico)

Pedropiedra (Chile)

Camilo Séptimo (México)

Guasones (Argentina)

El David Aguilar (México)

Los PetitFellas (Colombia)

Buffalo Blanco (México)

Las Pelotas (Argentina)

Systema Solar (Colombia)

 

No Te Va Gustar en Monterrey

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Pocos grupos pueden basar sus conciertos en la fuerza de sus canciones y No Te Va Gustar es uno de ellos. Así lo dejaron ver el pasado viernes 28 de Octubre en el Café Iguana donde dieron un concierto de dos horas y en el que literalmente la gente no dejó de cantar una sola de sus canciones.

La banda sonó impecable de principio a fin, si a caso las percusiones y la sección de metales de pronto quedaban un poco atrás de los demás en cuanto a nivel de volumen, pero cuando tenían que sobresalir lo hacían. La base rítmica caminaba por la tranquilidad que le da 20 años a una banda, paso seguro y firme.

Algo importante es señalar que la banda no tuvo que recurrir a los trucos que muchos otros hacemos durante un concierto: alargar canciones, cambiar arreglos extensos, dejar que la gente cante o vestirlo todo con parafernalia musical, ellos recurrieron a su carta fuerte: sus canciones. Sí, algunas fueron ligadas entre sí, hubo algunos arreglos distintos pero nada que transformara la canción y le quitara su fuerza original.

Lo que hace NTVG son canciones en toda su extensión, pocas bandas hoy en día se preocupan por lograr un balance entre buena música y una buena letra y ellos lo hacen. La gente lo entiende y lo refleja en la forma en la que fueron cantando una a una, entre las más emotivas fue “A la izquierda del cero”, “Al vacío”, “Chau”, “Paranoia”, “Clara” y una versión acústica de “Memorias del olvido”, aunque a decir verdad es que todas las canciones fueron cantadas con el mismo entusiasmo por los asistentes. No les miento si les digo que por momentos la piel se ponía chinita.

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El concierto fue por demás emotivo, sumándole que Emiliano, su vocalista cumplía años justo ese día y lo celebraba en Monterrey. Él estuvo muy reservado en su interacción con el público pero no dejaba de agradecer de vez en vez, es más, no necesitaba decirlo, se le notaba contento y agradecido. Y es que la forma en que los regios lo recibimos en realidad fue muy notable, este es el resultado de estar trabajando la ciudad año tras año pues la gente que estaba ahí se sabía todas las canciones y eran fieles escuchas de la banda.

La comunidad uruguaya estaba presente y por momentos me atraía más ver cómo vivían ellos el concierto, en cada voz un recuerdo, en cada canción una parte de ellos y eso le imprimía un poco mas de emoción.

NTVG escribe sobre temas que muchas bandas han dejado de escribir: historias de los otros, el día a día, nuestra cotidianidad pero sobre todo de la memoria, no subestiman a su público y ellos lo agradecen.

Cuando sales de un concierto y te dan ganas no solo de seguir escuchando música de la banda, sino escuchar los discos que aún no conoces, quiere decir que esta es una gran banda, y este adjetivo no es gratuito, NTVG es una gran banda que merece y vale la pena ser escuchada con atención. Salí del concierto con ganas de seguir escuchándolos y debo decir que me han atrapado completamente.

El concierto nublado de Lila Downs en el Festival Santa Lucía

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El concierto de Lila Downs ayer en Monterrey fue grisáceo medio nublado. Desde muy temprano había mucho movimiento en el primer cuadro de la ciudad, lo cual hace ver que un artista con buena convocatoria es capaz de activar parte del comercio pues estacionamientos, viene-viene, vendedores ambulantes, tiendas y restaurantes de la zona tuvieron más afluencia y aprovecharon la ocasión.

El concierto comenzó puntual y la explanada estaba llena; había personas de todas las edades, familias completas y esto hacía que algunos tuvieran mejor visibilidad que otros pues por los desniveles que hay en el espacio, hacía que no todos pudieran ver igual.

Lila Downs interpretó canciones de raíz oaxaqueña, norteña, veracruzana, de guerrero y de todo índole popular, pasando por Marco Antonio Solís y obviamente Juan Gabriel. Sin embargo algo había que público y artista no explotaban. Sí, todo mundo contento y aplaudía por con cierto aire frío.

Probablemente la causa sea que el sonido estuvo muy bajo de nivel para el tamaño de la explanada. No es que fuera insuficiente, más bien daba a pensar que se había quedado en ese nivel. De donde yo estaba parado no se escuchaba con la fuerza necesaria, esto fue negativo porque hacía que la gente perdiera atención a la artista entonces el discurso que daba, donde dedico una canción a los periodistas, habló de los obreros, de la igualdad y el amor, etc, se perdiera entre la distracción de los asistentes y no tenía el impacto que debería tener.

Luego llegó la lluvia y poco a poco la gente se fue retirando hasta que el agua arreció y el concierto tuvo que terminar.

No tengo duda de la calidad de la música y el discurso de Lila Downs, es relevante y necesario, pero cada vez me parece que está mas cercana a lo “mexican curious” de exportación que a lo tradicional, es más un producto para mostrar con algunos clichés de la cultura popular mexicana, pero tampoco eso es malo.

Su música toma raíces tradicionales y lo moderniza, o más bien, lo hace más accesible, más vendible, pero a veces es innecesario, como cuando interpretó una ranchera de Juan Gabriel y le hizo un arreglo pop que no le hacía justicia. Unas norteñas más en el cliché musical que en lo que realmente es, rancheras eléctricas y sones globalizados. Nada de esto es malo, y la verdad suena muy bien si se le escucha como lo que es: una fusión.

Era el plato fuerte del Festival, y aunque se llenó, diferentes razones, entre ellas la desorganización, no lo hicieron lucir como tal, pero no es la primera vez que sucede en el Festival.

ME MATA SI ME NECESITAS DE QUIQUE GONZÁLEZ: UN DISCO PARA ESCUCHAR MIRANDO POR LA VENTANILLA

 

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Me Mata Si Me Necesitas es el nuevo disco del español Quique González acompañado por Los Detectives. Son diez tracks vestidos con retazos de Rock, Country y Pop, lo que los españoles llaman Americana. Pero ojo, para nada es una intentona de sonar a los americanos; Quique tiene un sonido auténtico porque sus canciones tienen identidad propia, caminan por si solas en senderos por los que en algún momento de nuestra vida hemos caminado, entonces es rápida la identificación.

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Hay que decir que este disco es para escucharlo en solitario, es un viaje personal porque no es música para escuchar mientras se hace algo más; son canciones que se escuchan mientras se observa el tiempo y la vida pasar a través de la ventanilla. Eso son estas canciones: la ventanilla por donde observamos la carretera, esa por donde vamos transitando. Por momentos Me Mata suena a desierto, pero no a ese de cactus, víboras y arena, sino al desierto urbano por donde caminamos solitarios y silenciosos entre dunas de concreto: La soledad de una ciudad.

El incluir un violín, una mandolina y un acordeón en ciertos temas le da un matiz acertado, algo así como haber elegido una buena corbata a la camisa, no la clásica, una diferente pero que combina bien con ella. Esto no es raro pues la producción estuvo a cargo de Rick Falkner, quien hace un trabajo muy limpio sin arreglos de más ni vueltas que terminen llegando a la nada; aquí parece que cada instrumento tiene su lugar y que cada melodía sabe bien hacia dónde va.

Canciones redondas que hablan de estar al borde, de llamadas que se pensaron pero nunca se hicieron, de tener fe, de despedidas, de los estrechos callejones del corazón, de orquídeas en el tráfico y la casa de los padres.

Me Mata Si Me Necesitas es un disco para escucharlo frente al espejo y mirar qué hay detrás nuestro.

RECOMENDACIÓN DE LA SEMANA: BOOGARINS, ENTRE EL TROPICALISMO Y LA PSICODELIA

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Boogarins es una banda brasileña originaria de Goiania, región del país que entre otras cosas es conocida por sus conciertos de música sertaneja, que es algo así como el country brasileño.

La banda se formó apenas en el 2012, pero ya para el siguiente año y gracias a su primer EP As plantas que curam, salieron de gira pudiendo llevar su música a Europa, Estados Unidos de América y Latinoamérica.

Para el 2015 editan su segundo disco Manual ou Guia Livre de Dissolucao dos Sohnos, disco que fue grabado en España tras su gira por el continente europeo. A su corta edad, porque hay que mencionar que están en los 20’s, han logrado crear una música que los lleve a distintas latitudes y se hable de ellos en diversos medios del mundo.

Boogarins tiene un sonido psicodélico que transita por las calles del rock, soul y el jazz; una avenida que conecta con la tradición de la música brasileña y no precisamente el bossa o la samba, sino de aquellos que reinterpretaron su propia música y raíz: Os Mutantes, Caetano Veloso o Tom Ze; pero también encontramos en su música ecos de Pink Floyd y Jimmy Hendrix por mencionar algunos.

Estos jóvenes brasileños están muy cerca del Tropicalismo. No es nada extraño cuando sus integrantes mencionan que han pasado su adolescencia escuchando discos de músicos cercanos a este gran movimiento artístico y cultural que se generara en Brasil.

Al igual que hicieron algunos de los grandes artistas de este movimiento brasileño, estos jóvenes mezclan temas populares y festivos con la protesta, algo que en su momento hiciera que artistas como Caetano Veloso y Gilberto Gil fueran considerados enemigos peligrosos y tuvieran que exiliarse durante la dictadura en Brasil.

En su música es palpable el compromiso para consigo mismos como músicos y artistas. No hay concesiones ni subestiman al escucha. Hay atmósferas generadas por guitarras y voces que deambulan a través de diversos efectos generando momentos oníricos donde Dinho Almeida canta de adentro hacia el espejo que somos nosotros.

Rifs de guitarras, melodías de voz que planean sobre nubes armónicas y ritmos que nos muestran que las estructuras están para romperse y que la canción nunca debe ser la misma.