Del Tango A La Sinfonía En Noche De Estreno Mundial

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El segundo concierto de la sinfónica de la Universidad Autónoma de Nuevo León tuvo como característica el eclecticismo pues fue del tango a la sinfonía interpretando obras del siglo XIX como de la actualidad, además de contar esa noche con un estreno mundial.

En esta ocasión la orquesta estuvo bajo la batuta de la directora huésped Gabriela Díaz Alatriste, quien es la Subdirectora Artística de la Orquesta Sinfónica del Estado de México.

Iniciar con el Tango de la compositora Gina Enríquez fue una suculenta entrada ya que la pieza tiene una belleza melódica que, a pesar de su complejidad, posee su virtud en lo natural que suena al oído del espectador. La orquesta sonó pulcra en cada una de sus secciones y mantuvo el paso rítmico adecuado, no podría decir que una sección sobresalió de las demás porque la orquesta resaltó en su conjunto haciendo lucir lo bello de las melodías y la autenticidad de sus arreglos, sobre todo en los instrumentos de viento.

El plato fuerte llegó con el estreno mundial del Concierto en tango del compositor uruguayo Miguel del Águila. Esta obra ya había sido presentada anteriormente pero en una versión para violoncello y orquesta y viola con orquesta, mas sin embargo esta noche sería tocada por un cuarteto de cuerdas solista, siendo la primera vez para esta formación. Los encargados de ejecutar este estreno fueron el Cuarteto Latinoamericano, una de las agrupaciones fundada en México con mayor reconocimiento mundial y ganadora en dos ocasiones del Grammy Latino.

El mayor reto, no solo para el cuarteto sino para toda la orquesta, es la riqueza rítmica de esta obra donde constantemente van cambiando de ritmo, incluso hay quien le ha encontrado ciertos rasgos de jazz por su temperamento cambiante, aparte de la referencia obligada del tango y su paso por la milonga. Si bien el lenguaje esta plagado de modernidad, el cuarteto lo ejecutó de tal forma que fluía sin contratiempos mostrando el gran entendimiento que hay entre ellos. La orquesta sorteó de gran manera los retos rítmicos que exige la pieza e hizo gala de dominio, esto también gracias a la cadencia y atención adecuada con que fue dirigida por la Directora Gabriela Díaz.

El Cuarteto Latinoamericano regresó al escenario para interpretar una versión del conocido tango Por una cabeza y con esto agradecer al público que los aplaudió de pie.

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Para terminar el concierto se eligió la Sinfonía No. 4 en re menor de Robert Schumann. Esta obra fue compuesta en 1841 y la idea es que se presentara como si fuera un solo movimiento, pero en 1851 el mismo autor hace una revisión marcando bien sus cuatro partes, aunque estas están ejecutadas de manera tan continua que si no se pone la atención debida pareciera ser un solo y extenso movimiento.

La Directora Días logró conducir a la orquesta por los distintos paisajes que conforman la sinfonía con mucha pulcritud y orden logrando un cierre espectacular que fue reflejado en la ovación por parte de los asistentes.

A pesar de ser un programa muy ecléctico entre las obras, Díaz condujo a la orquesta sin contratiempos por las veredas musicales que planteaba el concierto gracias a su gran trabajo en la dirección. Una noche ecléctica que transcurrió entre el tango y la sinfonía.

ENTRE LA EMBRIAGUEZ Y LA ALEGRÍA

Inicia temporada 2017 de la OSUANL

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La Sinfónica de la UANL inició de gran forma su temporada 2017 luciendo muy buena salud musical bajo la dirección del maestro Jesús Medina.

El inicio fue la obertura de la ópera La italiana en Argel de Rossini, una de las obras más populares del italiano. La orquesta sonó completamente embalada y con una coordinación muy sobresaliente. Esta pieza tiene matices contrastantes y éstos fueron muy bien logrados por las distintas secciones. Todos los músicos caminaron a paso firme y seguro en el inicio, aunque hay que resaltar el trabajo de los clarinetes y los fagotes. Iniciar con esta obertura de carácter agradable y ligero fue un gran acierto para iniciar el concierto.

Luego vino el concierto para flauta y arpa k. 299 de Mozart, que contó con la participación de los solistas Miguel Ángel Villanueva (flauta) y Janet Paulus (arpa). Esta obra fue compuesta por pedido del duque de Guines y fue la única pieza que Mozart compuso para arpa. En el primer y segundo movimiento (Allegro y Andantino) hay partes específicas de dialogo entre ambos instrumentos, estas partes fueron llevadas de manera sobresaliente con muy buena fluidez entre Villanueva y Paulus, su dialogo musical tuvo el tono y la cadencia correcta para la pieza. Muy buen trabajo el de Miguel Ángel en la flauta con dominio y soltura. Janet Paulus salió adelante aún y cuando por momentos quedaba un poco opacada por la orquesta, sin embargo brilló su ejecución llena de dinamismo.

El cierre vino con la séptima sinfonía de Beethoven. Esta obra de 1812 tardó cinco años en ser terminada y en sus estreno tomó relevancia social debido al contexto: se celebraba en Europa la caída de Napoleón.

Aquí el director Medina dirigió con maestría, pero además con el espíritu necesario, una orquesta que caminó con alegría por las melodías y los acordes futuristas de la pieza. El segundo movimiento, uno de los más bellos pasajes de la obra de Beethoven, fue ejecutado con firmeza en cada paso del vaivén que la pieza requiere en ese efecto embriagador con el que se le conoce. Toda la sección de cuerdas lució en su conjunto, simplemente encantador.

Si acaso, durante el primer movimiento los cornos quedaban por encima del volumen del resto de la orquesta, hay que tener en cuenta que para esta sinfonía Beethoven hace subir los cornos a un registro agudo poco usual en sus partituras, sin embargo terminaron dando el matiz y la dinámica al conjuntarse con el resto de la orquesta, un trabajo nada simple pues aquí brillan los cornos por su fuerza, pero esta debe ser controlada por el músico.

Noche festiva entre la embriaguez y la danza de una sinfonía, el dinamismo juguetón de un concierto para flauta y arpa y la alegría de una obertura que funciona como metáfora del inicio de esta temporada de la OSUANL.

“LA REALIDAD ES UNA, SUS LECTURAS INFINITAS”

Entrevista a Vicente Alfonso sobre su novela “Huesos de San Lorenzo”.9786074217407

¿Qué se siente tener un hermano gemelo? A partir de este cuestionamiento el escritor mexicano Vicente Alfonso le da forma a “Huesos de San Lorenzo”, obra ganadora del premio Sor Juana Inés de la Cruz 2014, pero apenas publicada en este inicio del 2016 por la editorial Planeta (Tusquets) en coedición con el Gobierno del Estado de México.

Ambientada en el norte de México, entre Torreón y Parras de la Fuente Coahuila, Huesos de San Lorenzo presenta la historia del asesinato de una mujer (Magda) a quien relacionan con los gemelos Ayala, principales sospechosos del asesinato sin poder asegurar su autoría, y en dado caso que sí, identificar cuál de ellos fue. Y aún más, ¿en realidad Magda murió?

Un psicólogo trata de ayudar a uno de los gemelos con sus traumas; un periodista busca esclarecer el mito de la “Niña Cande” y la historia de los padres de los Ayala se forman su propia brecha, hasta que poco a poco los caminos se entrecruzan de manera sutil, como un traje hecho a la medida.

Huesos de San Lorenzo busca su equilibrio en los soportes de la novela negra tradicional, así como en la labor artesanal del narrador. “Lo que busco es que el lector no pueda dejar de leerla”, menciona Alfonso.

La novela es un cristal roto de cual podemos juntar fragmentos y ver distintos reflejos, mas sin embargo si lo armamos por completo, podremos ver el rostro de una sociedad que juzga a su conveniencia; una sociedad que toma la identidad que más le convenga confundiéndose a si misma; una sociedad que cambia de rostro continuamente.

Huesos de San Lorenzo es una novela compleja, mas no complicada. Si bien no subestima al lector dandole una historia estructurada de manera laberíntica, el paseo se hace muy ameno gracias a la narrativa de Vicente Alfonso.

En lo personal la disfruté mucho y no dudo sea una de las novelas que se mencione al final del año como una de las mejores de este 2016.

Aquí pueden escuchar la entrevista:

EL JAZZ NO ES POSE, MODA NI TRENDING TOPIC

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Ilustración de Andrew Novialdi

Hablar de jazz no solo es hablar de música, se trata en sí de un estilo de vida. Sin embargo, es día en que muchas personas tienen una idea errónea  de éste género musical: desde el que piensa que solo es para algunos, hasta el que dice que es “música de elevador”.

Hace días, navegando en la red me encontré con este post de Alex Mercado donde menciona lo que para él es y no es Jazz. Cuando lo leí no pude estar más de acuerdo, y aunque se trata de su opinión, sus ideas son globales.

Para quienes no lo conocen, Mercado es uno de los más importantes músicos de jazz en México. Con una trayectoria internacional ha trabajado junto a Antonio Sánchez, John Patitucci y Luis Perdomo entre otros, además de que su disco “Symbiosis” fue uno de los más aclamados del 2014 por la revista Downbeat.

Este texto formará parte de un libro de Alex que próximamente será publicado.

 

El jazz no necesita guaridas secretas, ni lugares oscuros con más sombras que personas. No necesita estar en la cola ni mendigar la atención de nadie haciendo concesiones o vendiéndose al mejor postor. No necesita acompañarse de queso y vino, ni es música funcional que engalane un evento con músicos vestidos de smoking.

El jazz no es sax, ni cantante con vestido sexy. No es los Kralls, ni los Bublés. El jazz no es una persona!

El jazz no es día festivo para que se programe una vez al año.

El jazz no es pose, moda ni trending topic.

El jazz no es caos, desorden, ni anarquía. 

El jazz no está muerto, sepultado en la trompeta de Armstrong, encapsulado en los dedos de Peterson o congelado en el refrigerador de la melomanía conservadora. 

El jazz no está en Nueva Orleans, ni en la sobrevalorada vanguardia de Nueva York. 

El jazz no es Take Five, ni la Chica de Ipanema, ni la música de la Pantera Rosa.

El jazz no es negro, ni blanco, ni azul, latin, fusión o free. 

El jazz no es para “relajarse”, ni música para viejitos. 

El jazz no es música de elevador. (En todo caso, te eleva al cielo!) 

El jazz no es estigma, prejuicio ni juicio. 

El jazz no es elitismo ni prototipo. 

El jazz no es de nadie, es de todos.

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Obra de Debra Hurd

 

El jazz es.

El jazz se funde con todo pero no se lo traga nada.

El jazz no sólo hace bailar al cuerpo, sino al espíritu.

El jazz es un movimiento, una fuerza, un huracán; una manera de reaccionar ante la vida y la muerte.

Es una persona que irrumpe el silencio con notas improvisadas, una vez dichas y después olvidadas cuya fugacidad, impacta, penetra, pasma, noquea, hace y deshace el corazón de un escucha con mente y corazón abiertos.

El jazz es el único que se atreve a dialogar con su interlocutor al tú por tú, con los recursos que se tienen, sean pocos o muchos, pero honestos al fin.

El ‪#‎jazz‬ es y siempre será accesible!
Alex M.

Twitter: homerontiveros

 

CÓMO ACERCARSE AL JAZZ POR PRIMERA VEZ

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Mucha gente no se acerca al jazz pensando que es un género exclusivo para músicos e iniciados. Hay quienes piensan que para escucharlo hay que tener conocimientos musicales. Incluso hay quienes lo asocian con algún nivel socioeconómico.

Nada más alejado de la realidad. El jazz es uno de los estilos de música que más gozan de libertad y eso queda plasmado en la característica del género: la improvisación. El jazz es la libertad en la música. Es por esta misma razón que cualquiera puede acercarse a él, sólo basta tener la disposición y curiosidad para escuchar un tipo de música con un lenguaje distinto al que estamos acostumbrados.

Es como llegar a un país diferente; hay otra lengua; poco a poco nos vamos familiarizando con las palabras, las expresiones, las frases, y en su momento vamos entendiendo ese otro idioma.

Alguna vez un taxista me pidió que le explicara lo que era el jazz y yo le comenté que era como una mesa redonda de discusión, en ella había varios participantes y lo primero que se hacía era poner el tema sobre la mesa, es decir, de qué se iba a hablar. Una vez que ya se había elegido el tema entre todos, cada uno iba dando su opinión y, al final, se daban las conclusiones sobre el tema. Así es como veo el jazz, como un diálogo entre varios músicos; una conversación musical más profunda.

Sin embargo, lo difícil es dar con el disco o el tema indicado para comenzar a escuchar jazz. Muchas veces se quiere empezar por algo muy complicado, y como no hay un antecedente en el escuchante, no hay empatía con el tema; no se disfruta porque resulta algo demasiado desconocido y se termina pensando que el jazz no es de su agrado.

Pero no porque una canción no te gusta no quiere decir que no te guste el género. Uno tiene la libertad de cambiar una canción, y si después de una larga búsqueda no se encuentra nada del agrado, entonces ya podremos decir que probablemente ese tipo de música no sea el nuestro. Pero antes de desechar hay que buscar. Antes de juzgar hay que conocer.

Así me di la tarea de preguntarle a varios músicos y amigos involucrados en el mundo del jazz, en su opinión, ¿cuáles son los temas recomendables para acercarse a este género por primera vez?

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El maestro Juan Alzate, uno de los más importantes músicos mexicanos de jazz, da estas opciones:

Take Five: Dave Brubeck

Summertime: Louis Armstrong & Ella Fitzgerald

So What: Miles Davis

But Beatiful: Bill Evans

-Last Train Home: Pat Metheny.

Para el comunicador Erik Montenegro (Horizonte Jazz FM, Music Life) el disco completo ¡First Time! The Count Meets The Duke es una muy buena opción, así como los discos Pure Ella, de Ella Fitzgerald, y Emergence de Roy Hargrove Big Band.

De estos discos resalta estos temas:

-Take The A Train: Duke Ellington

Mack The Knife: Ella Fitzgerald

-Roy Allan: Roy Hargrove Big Band

Frankie Mares, baterista de la banda Troker, una de las más importantes de Jazz/Funk/Rock en México, va más allá y menciona no solo algunos clásicos, sino algunas propuestas actuales que bien pueden servir para acercar a más escuchas hacia el jazz.

Medeski Martin & Woods: Uninvisible

Sex Mob: Kitchen

The Bad Plus: Iron Man

-Snarky Puppy: Sleeper

Finalmente el guitarrista Alejandro Otaola (Santa Sabina, San Pascualito Rey) menciona estas tres opciones:

John Coltrane: Naima

Thelonious Monk: ‘Around Midnight

-All Blues: Miles Davis.

El jazz no es exclusivo de unos cuantos, está presente para todo aquel que quiera escucharle y esté dispuesto a vivir la experiencia. El jazz es sinónimo de Libertad. Seamos libres entonces escuchando jazz.

EL DOBLE DISCURSO DE LO POPULAR

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Leyendo sobre las críticas y reacciones, tanto positivas como negativas, de la exposición de la artista Yayoi Kusama, reflexioné y me di cuenta que hay un recelo hacia la popularidad y un doble discurso de lo popular.

Esto ocurre en distintos terrenos: la música, el cine, la literatura, la moda y casi en cualquier apartado que se les ocurra.

¿Por qué el recelo y el doble discurso? Trataré de explicarme:

Nos gusta la música que no suena en las estaciones de radio comerciales, las películas del denominado “cine de arte” que solo son exhibidas en ciertas salas, las obras pictóricas de artistas que a la mayoría les pasan de noche, y así una lista amplia. Y hay una queja generalizada en el sentido de porqué a cierta música no se le da más espacio en la radio; por qué la gente no se interesa por otro tipo de películas que no sean las de Hollywood; por qué la gente no deja de leer a Cohelo y lee libros más importantes y profundos, o en cu caso, cuestionamos por qué la gente no lee libros. Incluso nos quejamos de que la gente no va a los museos ni aprovecha la oportunidad de vivir la experiencia de presenciar una exposición, de enriquecerse culturalmente.

Pero me pregunto: ¿ En realidad queremos que así sea, que la música, los libros, las películas, las modas que son de un grupo determinado se vuelvan masivas? No lo creo y he ahí el doble discurso.

Tenemos la idea de que si así fuera, si la gente se acercara más a la cultura o pusiera más atención a expresiones no tan comerciales, la sociedad sería diferente. Creemos que acercarnos a la cultura y al arte nos hace mejores personas y siempre existe el lamento de que ciertas manifestaciones solo interesan a unos cuantos y no a las masas. Pareciera que nos gustaría que esas expresiones fueran populares, sin embargo, cuando esto llega a suceder, que algo se vuelve popular, lo primero que hacemos es rechazarlo.

 “Es que ya se hizo muy popular”, “ahora ya es muy light”, “ya se vendió”, “ya se hizo comercial”, “ a esos ya cualquiera los escucha”, “era mejor antes, ahora ya todos lo leen”, y más expresiones por el estilo son la que se pueden escuchar.

Sucede que en realidad no queremos que lo que nos gusta a unos cuantos se haga popular aunque antes hayamos dicho que “ojalá la gente pusiera mas atención en ello”. En cuanto algo se hace masivo ponemos en duda su calidad; pareciera que no confiamos en el gusto de los demás y por ende, si le gusta a todos, entonces está mal.

Queremos que escuchen a determinado artista o grupo que solo algunos conocemos y nos lamentamos de que en X ciudad sea tan poco conocido, pero si llega a llenar un teatro o una sala, nos quejamos diciendo que la mayoría de los que fueron no sabían ni de qué se trataba.

Decimos que la gente debería de ver cine diferente al comercial, pero en cuanto una película de estas es vista por muchas personas, y tiene un éxito comercial. entonces ya no nos parece tan interesante.

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Infinidad de veces hemos escuchado que la gente debería aprovechar los museos. Yo mismo lo he dicho, sin embargo salí muy molesto de una exposición de Dalí en Madrid por la cantidad de gente que ahí había.

Hace unos días escuchaba una canción de Jeff Buckley, “Lover, you should’ve come over”, y me enteré de que esta es mencionada en 50 sombras de Grey, lo cual a muchos les pareció una ofensa que la incluyeran ahí, y que los lectores de este libro la escucharan. Sin embargo muchas veces he oído a personas decir que “todos” deberían escuchar a Jeff Buckley.

Cuántas críticas no aparecieron sobre la obra de Kusama ahora que estuvo en el Museo Tamayo, y cuántas de ellas no fueron hacia la gente que hacía largas filas o se tomaba fotos en la exposición. Esto último aún y cuando la misma artista se había fotografiado en su propia obra. Me da la impresión de que las críticas vinieron a partir de que se volvió un fenómeno la exposición el en Distrito Federal. ¿Habría las mismas críticas si no hubiera sido tan popular su exposición en México?

Conozco buenos lectores que celebraban la edición de “Tokio Blues” de Murakami en español y ahora dicen que ya no lo leen porque ya cualquiera lo lee.

Estamos peleados con lo popular. No creemos que algo pueda ser muy conocido y mantener un importante nivel de calidad. Así que en cuanto se vuelve masivo deja de interesarnos, aún y cuando se trate del mismo trabajo.

Pero entonces, ¿queremos que lo que nos gusta les guste a otro o no? ¿El valor de una expresión, o de una obra, está dictada por su popularidad?

“A TRAVES DEL ARTE PUEDO DECIR QUE ESTE PAÍS ESTÁ EN MANOS DE LADRONES Y CRIMINALES”. DIALOGUEANDO CON LA ARTISTA ROSA MARÍA ROBLES SOBRE SU ALTAR DE MUERTOS “PAÍS DE FANTASMAS”.

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“País de Fantasmas” es el título del altar de muertos que la artista mexicana Rosa María Robles preparó exclusivamente para La Casa Universitaria del Libro. Se trata de una obra inédita que invita a la reflexión sobre la vida y la muerte en nuestro país.

En esta entrevista habla de su trabajo y de cómo, a través del arte, se hace una denuncia social, además de cómo ha sido influido por los recientes sucesos nacionales.

El altar de muertos podrán verlo en La Casa Universitaria del Libro (Padre Mier y Vallarta en Mty. NL) a partir de este 29 de Octubre.